Qu’est-ce qu’écouter veut dire ? Quels bruits, quels sons, quelles musiques font vibrer nos tympans ? Quelle serait la bande-son de nos vies ? Quel rapport au monde nos oreilles engagent-elles ?

Mathieu Bauer met en scène le son, en célébrant la passion pour l’éclectique mariant Dalida et Mahler, associant Nino Rota et Captain Beefheart. Cette invitation à réfléchir au phénomène de l’écoute revigore l’ouïe et la cervelle, encourage à repenser des évidences et à prendre notre élan vers des mondes sonores inconnus.

Atlas, imaginé par le compositeur, mathématicien et chercheur Carmine Emanuele Cella est une œuvre collective par tous ses aspects. Le matériau sonore a été collecté par le public, très en amont de la performance, sur trois sites à Paris, Karlsruhe et Athènes : création d’une cartographie sonore subjective. Deux autres compositeurs, Dimitris Kamarotos et Valerio Tricoli et une vidéaste Marine Gioti, se sont joints à Carmine Emanuele Cella pour exploiter ces sources géo-localisées et les mixer à leur propre électronique.

Faust’s Box se présente comme un opéra de chambre pour voix, corps, narrateur de l’ombre, instruments, électronique, ombres en mouvement, mots et un miroir – d’où son sous-titre de « voyage transdisciplinaire ». Convaincu que tous les arts « en mouvement » relèvent de la musique, Andrea Liberovici en est à la fois le compositeur, le librettiste et le metteur en scène.

Désirant laisser résonner leur voix intérieure, les deux créateurs ont prolongé cette recherche autour du décalage narratif par l’exploration du pouvoir de la voix. D’une sirène d’alarme à des cris de bébés, de sons abstraits à des ronflements, différentes nappes sonores se succèdent et proposent un contrepoint inédit au geste. Les vibrations des cordes vocales se mêlent aux mouvements du corps, dans un dialogue entre intérieur et extérieur qui génère en permanence de nouveaux décalages de sens.

Déroulant le fil de sa vie passée et reparcourant les scènes de l’opéra, Judith ouvre pas à pas une réflexion sur l’Histoire, décortique les subtilités musicologiques de l’opéra de Bartók et construit une archéologie visuelle et auditive de nos larmes.

Speechless Voices (2018) est un poème chorégraphique composé en hommage à Mika Vainio, compositeur de musique électronique avec qui Cindy Van Acker a souvent collaboré, disparu en 2017. « Nous avions une communication intuitive, intense, souvent sans mots.

Une semaine de musiques expérimentales, de performances, de poésie sonore et de projections à Montreuil

Le Danois Simon Steen-Andersen est l’autre artiste phare de cette 38e édition. Sans conteste le compositeur le plus inventif du moment, il développe depuis une quinzaine d’années une réflexion sur le format du concert et propulse les effectifs musicaux traditionnels dans le spectacle vivant du xxıe siècle. À l’image de son Piano Concerto ou de Staged Night, l’originalité des processus de déconstruction qu’il met en œuvre ne laisse personne indifférent.

Spectacle à la fois théâtral et musical – en partenariat avec l’Ircam – interprété par la comédienne, musicienne et danseuse Armelle Dousset, blablabla s’appuie sur des documents sonores collectés aussi bien en milieu scolaire qu’en famille, au sport, dans le métro, la rue, à la télévision, sur YouTube, les jeux vidéos, les chansons, les films ou les dessins animés.

Mis en scène par le chorégraphe suédois Jefta van Dinther, remarqué pour son travail au Centre Pompidou et en Europe, The Quiet questionne la notion d’héritage et le passage du temps. Au cœur d’un univers désaffecté cinq femmes, vêtues de blanc, s’avancent lentement sur le plateau, elles chantent, elles récitent et elles prient. D’âges différents, les danseuses semblent se léguer, à chaque instant, une gestuelle ou une parole, ébauche d’une chorégraphie perdue ou oubliée

Musique de tables, composée par Thierry de Mey en 1987, est une partition pour trois percussionnistes disposant de tables pour seuls instruments. Les doigts, les ongles, les paumes ou encore les phalanges créent la musique. L’interprète est plus que jamais soumis à l’intransigeance de la partition.

Des comédiens, musiciens, metteurs en scène, chorégraphes et circassiens… donnent successivement leur interprétation scénique de cinq musiques, cinq hymnes choisis pour leur puissance fédératrice. Tantôt festif, nationaliste, religieux ou contestataire, l’hymne est une chanson qui enjoint chacun à chanter en chœur, à se rassembler pour le meilleur et parfois pour le pire.

Un homme, seul, fait face à son tourne-disque ; il engage un dialogue avec l’appareil. L’homme est un chanteur mais la séquence qu’il donne au public est une composition étrange, minimaliste, parlée et chantée, où la confession se dispute à la représentation.

Depuis dix ans, l’Encyclopédie de la parole invente une nouvelle forme de théâtre qui met l’accent sur la diversité des formes orales et la musicalité concrète du langage. Pour les artistes et chercheurs de ce collectif formé autour de Joris Lacoste, les mélodies, le rythme, les inflexions ou les silences de la parole sont aussi signifiants que les mots.