Avec Glissements, création de Myriam Gourfink pour les salles des Nymphéas au Musée de l’Orangerie, le mouvement glissé au sol et dans l’air se développe lentement dans un flux continu et invite à percevoir l’œuvre de Claude Monet comme un véritable environnement, qui donne l’illusion d’une expansion constante et d’un tout sans fin.

Désirant laisser résonner leur voix intérieure, les deux créateurs ont prolongé cette recherche autour du décalage narratif par l’exploration du pouvoir de la voix. D’une sirène d’alarme à des cris de bébés, de sons abstraits à des ronflements, différentes nappes sonores se succèdent et proposent un contrepoint inédit au geste. Les vibrations des cordes vocales se mêlent aux mouvements du corps, dans un dialogue entre intérieur et extérieur qui génère en permanence de nouveaux décalages de sens.

Mis en scène par le chorégraphe suédois Jefta van Dinther, remarqué pour son travail au Centre Pompidou et en Europe, The Quiet questionne la notion d’héritage et le passage du temps. Au cœur d’un univers désaffecté cinq femmes, vêtues de blanc, s’avancent lentement sur le plateau, elles chantent, elles récitent et elles prient. D’âges différents, les danseuses semblent se léguer, à chaque instant, une gestuelle ou une parole, ébauche d’une chorégraphie perdue ou oubliée

Avec Glissement d’infini, Myriam Gourfink conçoit une performance de quatre heures, dans un espace sans frontières, ponctué de quelques chaises et coussins, vous offrant la possibilité d’entrer, d’errer et de sortir à votre guise.

Conçue en collaboration avec le compositeur Sébastien Roux, le créateur lumière Thomas Dunn et trois danseurs, cette pièce explore les affinités et les antagonismes entre mouvement, son et lumière.

Pièce pour 15 danseurs, Crowd s’inscrit avec force dans le travail de Gisèle Vienne qui, depuis plusieurs années, ausculte minutieusement notre part d’ombre et notre besoin de violence. Un cheminement qui, faisant fi des disciplines artistiques, rend à la scène toute sa puissance cathartique.

Le texte Medeamaterial de Heiner Müller, figure emblématique du Théâtre européen contemporain, ne pouvait que « séduire » le compositeur Pascal Dusapin par sa puissance dramatique et sa dimension cruellement « moderne » : « Médée devint pour moi une figure métaphorique, de l’ordre de l’archétype certes, mais complexe et parfaitement inscrite dans le réel du monde d’aujourd’hui » souligne le compositeur.

Souvenirs de clubbing et de nuits endiablées : dans une commune vibration scénique, Christian Rizzo réunit neuf danseurs dont les saccades affûtées composent un tracé entre physicalité des sub bass et plaintes mélodiques. En d’autres termes : faire rejaillir au présent le sens du groove.

La chorégraphe s’inspire des marathons de danse apparus dans les années 20 aux États- Unis pour installer « une dramaturgie propre de la durée qui échappe au temps de la réalité ».

Dans ce va-et-vient entre narration et liberté d'abstraction, apparaissent des fragments du Jeu de la mort du Roi, le chef-d'œuvre vocal et synthétique de Mauro Lanza, qui culbute les caractères du trivial, du noble et du kitsch.

Les (Re)lectures se métamorphosent ! Après une plongée au coeur de récits littéraires pluriséculaires, ce laboratoire du geste artistique propose désormais à la (re)lecture un corpus d’œuvres musicales. Des comédiens, musiciens, metteurs en scène, chorégraphes… donnent successivement leur interprétation scénique de quatre musiques, chacune relatant une passion adolescente entravée par l’autorité parentale ou par les conventions sociales.

Ce que l’œil écoute. À l’établi des corps conducteurs, la ligne de coeur musicale que fraie Anne Teresa De Keersmaeker se combine au caractère percussif de la musique de Steve Reich. Glissement permanent des parcours individuels, reprise incessante par le groupe.

Qu’est-ce qu’écouter veut dire ? Quels bruits, quels sons, quelles musiques font vibrer nos tympans ? Quelle serait la bande-son de nos vies ? Quel rapport au monde nos oreilles engagent-elles ?

Dans cette version réactualisée d’une pièce majeure de son répertoire, consacrée à la gestuelle musicale, Xavier Le Roy fait de la direction d’un chef d’orchestre une danse à part entière. Déclinée en trois partitions pour autant d’interprètes, elle offre une occasion inouïe d’exposer le corps musicien.

Ruines est un théâtre musical entre performance, installation éphémère et opéra-vidéo, un tissage des écritures (musique, vidéo, corps et sculpture), dans une dimension plateau très immersive.