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Sons et lumière

Est-il possible d’associer une couleur à un son, comme Newton et bien d’autres après lui s’y sont essayés ? Dans quelles circonstances le son peut-il être transformé en un rayonnement lumineux et inversement ? Quelles sont donc les analogies et les différences entre lumière et son, décrits par la même physique ondulatoire mais pourtant rarement étudiés ensemble ? Voilà quelques-uns des sujets traités par Bernard Valeur dans son nouveau livre, fondé sur une structure originale mettant en parallèle ces deux domaines scientifiques. Outre un exposé clair et passionnant et des expériences ludiques à faire soi-même, l’auteur propose au lecteur un tour d’horizon des applications et des recherches les plus récentes sur le sujet, pour notre plus grand plaisir. Percez les secrets du stockage holographique, partez à la rencontre des étranges bulles sonoluminescentes ou des flammes chantantes de l’orgue à feu, et découvrez le syndrome d’audition colorée qui affectait Scriabine ou le « peintre des sons » Charles Blanc-Gatti "La culture scientifique de l'auteur, ses qualités pédagogiques, jointes au choix et à la qualité des photos, schémas et encadrés travaillés avec l'éditeur, font de cet ouvrage une contribution de référence." L'actualité chimique Télécharger l'article de Actualité chimique - N°325 décembre 2008 (Format .pdf - 92 Ko). http://www.editions-belin.com/e_upload/pdf/4751belinArticleActualite.pdf

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Musique film

Cet ouvrage fut publié à l'occasion de la manifestation "Musique Film", conçue et réalisée par Yann BEAUVAIS, à la cinémathèque française en 1986. Cette programmation de films expérimentaux visait à montrer les rapports existants entre le cinéma et la musique. cette manifestation ne se voulait ni exhaustive, ni pédagogique. Par contre elle était un parti-pris. Parti-pris qui voulait mettre en évidence la perpétuation de certains questionnements ouverts par le modernisme et remis en cause par le surgissement du postmodernisme comme attitude potentiellement réactionnaire dans le milieu de l'art et du cinéma.

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Monter/Sampler : L'échantillonnage généralisé

Les pratiques artistiques actuelles ont de plus en plus recours à des "matériaux préfabriqués", récupérés et recyclés par les artistes pour la création d'une oeuvre nouvelle. Si le recours à l'"échantillonnage" peut évoquer les avant-gardes historiques des années 20, ou l'utilisation au "found footage" qui s'est développé aux Etats-Unis dans les années 60, il correspond bien aux préoccupations contemporaines d'ordre esthétique (disparition de la notion de support et de langage spécifique), philosophique (notions d'oeuvre et d'auteur devenues floues), juridique (propriété artistique, piratage, droit de citation) et économique (le piratage généralisé) et à l'éclatement des frontières entre les différents domaines artistiques.

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L'Opéra au XX ème siècle

Lieu d’importantes innovations ou temple des conventions, l’opéra constitue tout au long du xxe siècle le terrain de nombreuses revendications et de virulentes condamnations. Philosophes, musicologues, critiques et historiens d’art abordent ici son histoire à travers ses métamorphoses. Sans parti pris d’exhaustivité, accompagné d’un répertoire sélectif des principaux opéras composés au XXe siècle, et nourri d’une iconographie exceptionnelle soulignant l’extrême inventivité du genre, ce livre offre une vision kaléidoscopique de la création lyrique moderne – de Berg à Glass, de Stravinsky à Zimmermann, de Bartok à Messiaen - en particulier dans les cahiers photographiques ; sur papier brillant, enchâssés au début de chaque partie, qui forment un espace scénique au cœur du livre.

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Les images et les sons dans les hypermédias artistiques contemporains : De la correspondance à la fusion

Ce livre cherche à souligner les continuités et les ruptures qu'apporte le numérique dans le rapport qui se crée entre les images et les sons. Depuis l'influence mutuelle des arts graphiques et des arts sonores en peinture jusqu'aux hypermédias aujourd'hui, on peut repérer une dynamique de convergence toujours plus affirmée des deux représentations. Si le numérique, avec son codage discret, est un moment fort de cette trajectoire, il engendre différents modes de communication spécifiques : interactivité, générativité, simulation, qui chacun, à sa manière, modifie les rapports entre les deux modalités, comme autant d'étapes vers une fusion des conditions de production. Dépassant les notions classiques d'image et de son, cette fusion permet d'envisager l'apparition d'un nouvel objet audiovisuel composite, structuré et complexe. Ainsi, l'évolution de cette relation concerne autant le concepteur (qui manipule une " matière audiovisuelle " toujours plus riche) que l'utilisateur (nouvelles applications, nouveaux effets perceptifs) et modifie la nature même du média.

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Tout est bruit pour qui a peur : Pour une histoire sociale du son sale

En prenant symboliquement pour titre la phrase de Sophocle : " Tout est bruit pour qui a peur ", Pierre Albert Castanet confirme son intérêt pluriel - compositionnel, musicologique et esthétique - envers les audaces exploratrices de la sphère musicale du XXe siècle. Embrassant autant les modes d'expression savante que populaire, l'auteur cerne les différentes topiques du son-bruit en éclairant ses multiples vertus insoupçonnées. Confidence métaphorique, le phénomène bruiteux est ainsi analysé aux prismes de l'histoire, de la musicologie, de la sociologie, de la théorie, de l'anthropologie, de la philosophie, de l'esthétique et de leur aura périphérique immédiate. Foisonnant d'exemples clairs et précis, œuvrant " pour une histoire sociale du son sale ", Tout est bruit pour qui a peur peut se lire comme un guide avisé de la modernité sonore du siècle dernier. Lors de sa première édition, l'ouvrage - préfacé par Hugues Dufourt - a reçu le Prix des Muses (2000) décerné par L'Express et France Culture.

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Quand le sonore cherche noise : Pour une philosophie du bruit

Cet ouvrage poursuit Tout est bruit pour qui a peur, Pour une histoire sociale du son sale (Michel de Maule, 1999 ; rééd. 2007), dans lequel Pierre Albert Castanet se passionnait pour les audaces exploratrices des musiques contemporaines. Quand le sonore cherche noise, Pour une philosophie du bruit tente dans un premier temps de cerner l'ensemble des objets sonores existants avant de s'attacher au statut musical ou " bruiteux " de ces ready-made plus ou moins transformés. Dans un second temps, l'auteur étudie le rapport à la percussion et à la voix, en privilégiant notamment les différents signes identitaires du " son-bruit " cher au futuriste italien Luigi Russolo. Enfin, filant la métaphore entre le sonore et le visuel, le scénique et le corporel, le verbal et le gestuel, il s'attarde sur la tension dramaturgique du bruit et de l'abject dans les arts du XXe siècle. Pierre Albert Castanet observe le " fait musical " sous toutes ses facettes, le passant au prisme des expériences anthropologique, historique, sociologique, musicologique, esthétique et philosophique, arpentant ainsi les domaines qui relèvent d'une " philosophie du bruit " (expression d'Edgard Varèse). L'ouvrage est un hommage à Marcel Duchamp et à John Cage.

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Contrepoints : Dialogues entre musique et peinture

Les convergences entre arts du temps et de l'espace sont plus actuelles que jamais. Rencontres, doubles vocations, collaborations, influences, transpositions, métissages divers caractérisent l'esthétique de notre temps, dont l'ouverture multimédia s'affirme comme un refus du purisme des générations précédentes. Mais le phénomène ne date pas d'hier, et la modernité se teinte parfois d'archaïsme. C'est Stendhal qui nous a légué la manie des comparaisons entre peintres et compositeurs, et les permanences sont nombreuses et significatives, qui vont des origines pythagoriciennes de la musique des sphères aux racines romantiques du musicalisme. Cette quête de correspondances, expression d'une nostalgie de l'unité perdue, s'oriente tantôt vers le domaine des synesthésies et du mythe de l'audition colorée, tantôt vers celui des proportions harmoniques, où l'analogie musicale s'insinue dans les théories picturales. La peinture elle-même n'y échappe guère, et Bach et Wagner sont sans doute les musiciens qui ont le plus souvent nourri l'imaginaire des artistes. C'est à diverses facettes de ce dialogue séculaire que sont consacrés ces essais.

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La musique comme Art total au XXe siècle : Sons-couleurs-formes, Systémique et symbolique

Cet ouvrage est consacré à l'étude des correspondances entre les sons, les couleurs et les formes dans la musique du xxe siècle. Ces liens profonds et symboliques s'enracinent dans l'histoire des arts depuis l'Antiquité avec Pythagore et Boèce, en passant par le siècle des Lumières avec Newton et le père jésuite Louis- Bertrand Castel, pour parvenir à l'expression d'un Art total au xxe siècle. Ce livre explore les relations qu'ont pu entretenir musiciens, peintres, mathématiciens, sculpteurs ou architectes au travers des grands mouvements artistiques de ce siècle. L'auteur illustre son propos en s'appuyant sur les liens unissant le musicien Arnold Schoenberg et le peintre Wassily Kandinsky et sur les correspondances multidisciplinaires rencontrées dans les oeuvres d'Alexandre Scriabine, d'Olivier Messiaen ou bien encore de Iannis Xenakis. Une de ses originalités réside dans la méthodologie utilisée, l'approche systémique appliquée à la musicologie.

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L'Oeuvre d'art totale à la naissance des avant-gardes 1908-1914

Le concept d'œuvre d'art totale, issu du romantisme allemand et défini par Wagner au milieu du XIXe siècle, constitue un point d'ancrage fondamental permettant de comprendre l'origine des avant-gardes à la fois dans leur conception, leur action et leur représentation. L'œuvre d'art totale, ou Gesamtkunstwerk, est animée par une volonté totalisante qui se réalise à travers l'union des arts dans le désir de refléter l'unité de la vie. Entre 1908 et 1914, ce concept se trouve au croisement de plusieurs mouvements artistiques que l'on a généralement l'habitude d'envisager dans une succession temporelle artificielle et en cloisonnant les disciplines. C'est ainsi que l'auteur revisite les mouvements futuriste et expressionniste, ainsi que la naissance de l'abstraction. Il explique l'aboutissement de cette gestation et son étendue en passant par la musique, le théâtre et le cinéma d'avant-garde. Des artistes tels que Kandinsky, Malévitch, Scriabine, Schönberg ou encore Russolo et Boccioni préparent la voie à la conception de l'art que nous connaissons aujourd'hui, en donnant à la représentation artistique des possibilités jusque-là inédites puisque l'art se réalise en devenant un véritable acte social. Le spectateur ou l'auditeur est associé à cette démarche utopique et vit alors une expérience conçue comme une épreuve initiatique. Cette nouvelle conception de l'art s'accompagne d'une conscience du temps historique qui aboutira aux expériences de l'abstraction cinétique visant la matérialisation du temps par l'espace. Un ouvrage permettant de mieux apprécier le changement radical qui s'opère dans l'art au début du XXe siècle.

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Fluxus et la musique

A l'origine à la fois de la musique expérimentale et des arts sonores, source d'inspiration de nombreuses pratiques performatives actuelles, la musique fluxus réalise l'anti-art de Dada et le dépassement de l'art des situationnistes en abolissant la frontière entre le créateur et le spectateur et en proclamant l'équivalence entre la musique, l'art et la vie. L'essai d'Olivier Lussac est le premier en langue française à étudier les aspects musicaux (et les implications politiques correspondantes) du mouvement artistique le plus subversif des années 1960.

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Sonic Process - Une Nouvelle Geographie Des Sons

Sonic Process, une nouvelle géographie des sons, est la première manifestation consacrée par le Centre Pompidou à la musique électronique. Elle se propose d’interroger les relations entre les arts visuels et la création musicale électronique d’aujourd’hui. Par tradition, l’histoire de l’art sépare de façon distincte l’analyse des arts plastiques et de la musique. Il faudra attendre le cinéma (et sa bande sonore), et surtout la vidéo intégrant le son et la musique comme composants de l’oeuvre, pour que les musées s’interrogent sur la place du son dans les différents domaines de la création.

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La musique du XXe siècle à la croisée des arts

Quelles peuvent être les modalités d'échange entre la musique et les autres disciplines artistiques tout au long de ces dernières décennies? Evoquant tour à tour les domaines de la littérature, de la danse, du cinéma, de l'architecture, des arts plastiques, l'auteur avance des hypothèses de réflexion sur les démarches interdisciplinaires qui n'ont cessé de se multiplier au XXe siècle. Ont été choisis des exemples de collaboration particulièrement représentatifs, tels les "dialogues" entre Henri Pousseur et Michel Butor, Morton Feldman et Samuel Beckett, Bernard Herrmann et Alfred Hitchcock, John Cage et Merce Cunningham... Sont également mises en évidence les passerelles entre la musique et des genres qui peuvent paraître contigus (la poésie sonore, la création radiophonique), ou bien encore la musicalité émanant de l'œuvre d'écrivains comme Michel Butor et Thomas Bernhard. L'éclatement des catégories concerne aussi le domaine musical de l'intérieur. C'est pourquoi sont abordées les relations entre pratiques savantes et populaires, ainsi que la problématique de l'improvisation, remettant en question les cloisonnements qui ont longtemps pesé sur la création et la diffusion de la musique. Biographie de l'auteur

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Musique et arts plastiques : Interactions au XXe siècle

Tout au long du XXe siècle, peintres et musiciens ont multiplié des formes d'échanges qui vont bien au-delà des parallélismes auxquels ont été trop souvent réduites les relations entre disciplines artistiques. A cet égard, les expérimentations menées par les futuristes et les dadaïstes au début du siècle, de même que les démarches de Kandinsky, Klee ou de Mondrian, ont constitué de précieux catalyseurs pour les artistes qui souhaitaient dépasser les catégories conventionnelles. Ainsi, le temps va devenir une composante concrète d'un travail plastique. L'espace prend place comme une dimension à part entière d'un projet musical. Un objet sonore est envisagé sous le double aspect de son apparence visuelle et de ses conséquences acoustiques. Les nouvelles technologies elles-mêmes se situent au croisement de différents modes d'expression. Autant de manières de questionner un art par un autre et de conduire à de fertiles débats d'idées.

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Essai sur la radio et le cinéma

"Il reste à faire une philosophie du cinéma et de la radio. Et nous définirons ici le mot philosophie le plus simplement du monde comme l’effort d’un esprit qui s’emploierait à épuiser toutes les idées qui peuvent venir à propos de l’objet de son étude.” Prémonitoire, ce texte sur les “arts-relais” anticipe et prépare le Traité des objets musicaux de 1966. Il formule également les idées qui trouvent leur réalisation pratique dans la “musique concrète” de 1948-1958, dans la musique expérimentale de 1953-1957, aussi bien que dans les recherches actuelles en matière de radiophonie. Il emblématise le passage de la Révolution nationale à la Résistance, de Jeune France au studio d’essai, de l’art populaire à l’avant-garde musicale. Schaeffer y analyse la structure de la radio et du cinéma

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